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Awards / Recommendations
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MIDEM Classical Awards 2010 - Recording of the Year Award (France)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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MIDEM Classical Awards 2010 - Choral Works (France)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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German Record Critics' Award (Quarterly Best, Germany)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
- Rolf Riehm: aprikosenbaeume gibt es, aprikosenbaeume gibt es
- Tilo Medek: Organ Works
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Diapason d'Or (Diapason, France)
- Gerd Zacher: Organ Works
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ECHO Klassik (Bundesverband Musikindustrie, Germany)
- Karl Amadeus Hartmann: Complete String Quartets
- J. S. Bach: Goldberg Variations BWV 988
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ECHO Klassik (Bundesverband Musikindustrie, Germany)
- Arnold Schoenberg: Die Prinzessin (The Princess)
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250 Greatest Recordings of All Time (Gramophone, Great-Britain)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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LEOPOLD Medienpreis ('Good Music for Children', VdM, Germany)
- Arnold Schoenberg: Die Prinzessin (The Princess)
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Key Of The Year Award (Recording of the Year, www.ResMusica.com, Belgium)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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The Top-Record-List of the Year 2009 by the nmz Record Reviewers
(neue musikzeitung, Germany)
- Jacqueline Fontyn: Orchestral Works
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Best Record - SZ Critics List 2008 (Süddeutsche Zeitung, Germany)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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Editor's Choice Award (Gramophone Magazine, Great-Britain)
- Karl Amadeus Hartmann: Complete Works with String Quartet
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Deutscher Hörbuchpreis 2010 (Nomination 'Best Information', Germany)
- Karl Amadeus Hartmann: Complete Works with String Quartet
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Deutscher Hörbuchpreis 2007 (Nomination 'The special Audio-Book / Music', Germany)
- Martin Baltscheit: Vom Mädchen das nicht schlafen wollte
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Reference Recording (Organ - Journal for the Organ, Germany)
- Tilo Medek: Organ Works
- J. S. Bach: Goldberg Variations BWV 988
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IRR Outstanding Award (International Record Review, Great-Britain)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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Excellentia Award (Pizzicato, Luxemburg)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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5 de Diapason of the Month Award (Diapason, France)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
- J. S. Bach: Goldberg Variations BWV 988
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ResMusica La Clef Award (www.ResMusica.com, Belgium)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
- J. S. Bach: Goldberg Variations BWV 988
- Karl Amadeus Hartmann: Complete Works with String Quartet
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Star of the Month Award (FonoForum, Germany)
- Rolf Riehm: aprikosenbaeume gibt es, aprikosenbaeume gibt es
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ClassicsToday.com 10/10 Award (www.classicstoday.com, USA)
- Wolfgang Rihm: String Quartets No. 1, 4, 8 and 5
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Recommended by www.klassik.com (www.klassik.com, Germany)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
- Erich Itor Kahn: Piano Works
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Luister10 Award (Luister, The Netherlands)
- Wolfgang Rihm: String Quartets No. 1, 4, 8 and 5
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Audiophile SACD of the Month (Stereoplay, Germany)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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Muzyka21 CD of the Month Award (Muzyka21, Poland)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
- Günther Becker: The Complete Organ Works
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CD of the Month (www.opusklassiek.nl, The Netherlands)
- Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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CD of the Month (www.musicweb-international.com, Great-Britain)
- Tilo Medek: Organ Works
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hr2 CD-Tipp (hr2 Radio, Germany)
- Arnold Schoenberg: Die Prinzessin (The Princess)
- Vera Forester: Ich möchte lachen vor Todesschmerz - Robert Schumanns letzter Weg
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Bernd Alois Zimmermann: Requiem for a Young Poet
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"MIDEM Classical Award 2010" - Category 'Recording of the Year'
The Jury of the MIDEM Classical Awards has announced the winner of the 'Recording of the Year Award 2010'. Chosen among all the winning productions (15) it goes to Bernd Alois Zimmermanns highly moving 'Requiem for a Young Poet', which won in the category Choral Works.
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"MIDEM Classical Award 2010" - Category 'Choral Works'
The Jury statement says: "An exceptional production, one in which the various electroacoustic and speech layers are united in a homogenous, convincing performance and one for which Bernhard Kontarsky, a leading Zimmermann advocate, was an ideal choice."
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"Preis der deutschen Schallplattenkritik" (Bestenliste 1/2009) -
Jury Choir Music
The Association of German Records Critics honors this SACD with the "German Record Critics' Award" as a Recording of Exceptional Artistry and selects it as one of the "Quarterly Best" of New Releases for the First Quarter 2009.
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Sueddeutsche Zeitung (SZ week-end), December 13, 2008:
"BEST RECORD" - (SZ List of Critics 2008 - Annual Balance)
"Beste Platte - SZ-Kritikerliste 2008" - Halluzinatorisch, ekstatisch: B.A. Zimmermanns „Requiem für einen jungen Dichter” (1969) mit Bernhard Kontarsky (Cybele)
(Wolfgang Schreiber)
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DIE ZEIT No. 51, December 11, 2008:
"Editors of DIE ZEIT recommend CDs...On which renowned stars show their singularity":
"Here everything is unique: the composer, the piece of course, the conductor, and also the SACD surround sound."
(Frank Hilberg)
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International Record Review, May 2009:
"IRR Outstanding"
“Recordings of Bernd Alois Zimmermann have increased considerably in recent years... this new disc brings a third outing on CD for Requiem für einen jungen Dichter, the culminating work of his final years and one whose far-reaching implications not even the composer could have foreseen.
Although realized during 1967-69, the work had been conceived over a decade before. Along with Die Soldaten it dominates the latter half of his output, but whereas the opera is very much an embodiment of the problems inherent in creating music-drama from the avant-garde ethos of the 1950s, the later work transcends such issues, so that, rather than appearing to lag behind his younger
contemporaries – as he felt was his wont – Zimmermann had unwittingly 'set the pace’; the more ironic, then, that he was unable to
attend the Cologne première owing to mental exhaustion and died by his own hand barely a year later.
The work is described as a ‘lingual’: therefore, a piece about language, and language, as a means of communication, informs every aspect to the extent that speech and music become one and the same during its course. Lasting just over an hour, it comprises four parts of six notably unequal sections. Occupying almost two-thirds of the whole, the duration of the first two parts is largely determined by recorded quotations from a variety of twentieth-century political and cultural figures: in the first part, ‘Prologue’, these emerge from a backdrop of organ and chorus in an arc of steadily mounting intensity that is consummately handled by Bernhard Kontarsky and also palpably conveyed by SACD sound. The second part, ‘Requiem I’, is an interplay between taped and live voices, the latter being represented by two speakers and in which an emphasis on literary sources is already breaking down the speech/music divide.
This process helps overcome the wrench when the third part, ‘Requiem II’, is initiated by soprano and baritone soloists as a continuation of the linguistic process rather than in contrast to it. Both Claudia Barainsky and David Pittman-Jennings are in full command of the rhetoric here, while the Eric Vloeimans Quintet provide a suitably suave rendering of the significant part for jazz-combo. This ‘Rappresentazione’ is followed by brief but plangent ‘Elegia’ and ‘Tratto’ sections before a ‘Lamento’ whose polyphonic mastery points to the composer’s own and enduring religious convictions. The fourth part, ‘Dona nobis pacem’, then effects the climactic confrontation of vocal means that finally implodes into a veritable swarm of voices – followed by an emphasizing of the implicit danger of ‘knowledge’ and a final choral plea in extremis.
With its large and unconventionally arrayed forces, the work makes formidable logistical demands. Excellent as were previous recordings from Gary Bertini and Michael Gielen (whose 1995 Edinburgh Festival performance remains its only UK outing), this release sets entirely new standards: above all, in terms of how it is experienced. Kontarsky secures a dedicated response from his choral and orchestral forces, with the many spatial complexities given definition as never before.
Moreover, the booklet combines historical background with descriptive analysis, rare photographs, as well as a ‘text structure’ overview (vital for getting to grips with how the piece unfolds in real-time) in what ought to serve as a bench-mark for CD presentation well into the future.
Requiem für einen jungen Dichter serves as a commemoration of the fall of European culture, one to which its composer was inextricably linked, but it also points to how sound and speech can be harnessed in the continuation of Western music. Recklessly pluralistic yet rigorously integrated, its presence can be felt wherever the interplay of recorded ‘means’ with live ‘ends’ is the creative premise. Superbly realized and finely presented, this Cybele recording makes the strongest case yet for a work that had effectively broken down such conceptual barriers four decades ago.”
(Richard Whitehouse)
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DIAPASON, 1/2009:
"5 de Diapason of the Month"
«Une fraction seulement des mélomanes comprend le texte latin de l'office des morts; il importe peu, donc, de ne pas saisir un mot des textes Jus en langues etrang6res (Augustin, Schiller, Pound, Mäiakovski, Joyce) et des discours (Chamberlain, Hitler, Goebbels, Churchill, Mao, Dubcek) que Zimmermann a inextricablement mêlés pour former la Première et la plus longue Partie dune Oeuvre composée entre 1967 et 1969 où Fon entend, ä la fin, l'écho impressionnant des grandes manifestations de mai 68.
Tous ces textes, non traduits, sont reproduits dans le livret face au minutage, de même que des esquisses du plan; an peut donc aller au delà de l'écoute flottante de cette exécution (à Haarlem, en juin 2005) pour laquelle la bande quatre pistes originale avait été restaurée. Mais pour entrer vraiment dans une oeuvre où le timbre de la Parole, dans son infinie varieté, occupe une place si prépondérante, il faut écouter ce Requiem pour un jeune poète comme un mélodrame électroacoustique dont le matériau polyphonique essentiel est la voix parlée, proche, lointaine, déformée, transformée, instrumentalisée et qui s'élève sur un fond orchestral et Choral. Le dernier Hers, où le chant apparaît, tendu, en dents de scie, baigne dans le même climat.
Comme dans ses autres oeuvres Zimmermann ne permet pas une écoute univoque; quelques citations de la Mort d'Isolde, des Beatles (Ney, Jude), de la 9e de Beethoven, des éclairs de jazz, brouillent les pistes avec moins de confort que dans la Sinfonia (1968) da Berio; la proximité est plus sensible avec Hymnen {1967) de Stockhausen. L'oeuvre reste dont insaisissable et fascinante; on dirait, de par son apparente fragmentation, qu´elle ne cherche pas à retenir l´auditeur, qu'on peut, à tout moment, interrompre l´écoute le Ces collages apparents, pourtant une tension sous jacente, secrété – le genie du suspens, sans doute – retient et nourrit l´attention. La question de la qualité et de la fidelité de l'interpretation ne se pose pas avec Bernhard Kontarsky dont l'experience n'a jamais été prise en défaut. Les voix solistes sont remarquables d'aisance. »
(Gérard Condé)
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TROUW (Dutch Newspaper), December 20, 2008:
Selected "TOP 10" OF THE YEAR 2008
"The Requiem ... is an important recording."
(Anthony Fiumara)
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www.klassik.com, November 29, 2008:
EIN SCHLÜSSELWERK DES 20. JAHRHUNDERTS (A Key Work of the 20th Century)
„Es gibt Kompositionen, die, hat man sie einmal gehört, sich nicht wieder aus dem Gedächtnis verdrängen lassen. Ein solches Werk ist Bernd Alois Zimmermanns 'Requiem für einen jungen Dichter' (1967–69), eines der Schlüsselwerke jüngerer Musikgeschichte. Wer sich dieser Musik bislang nähern wollte, konnte dies zwar anhand eines auf LP erschienenen dokumentarischen Mitschnitts unter Michael Gielen vom Holland-Festival 1971 sowie anhand der beiden bekannteren CD-Produktionen unter Leitung von Gary Bertini (Wergo, 1989) und Michael Gielen (Sony, 1995) tun. Keine der zuletzt genannten Einspielungen, so sehr sie auch in diskografischer Hinsicht zu begrüßen waren, hat indes mehr als einen Bruchteil von der komplexen räumlichen Konzeption vermittelt, die als fester Bestandteil von Zimmermanns Komposition untrennbar im Werkganzen verankert ist. So kommt es schon einer kleinen Sensation gleich, wenn das Label Cybele eine Neuaufnahme des 'Requiems' auf SACD vorlegt, die eben genau dies leistet und – in einer schlichtweg überwältigenden Produktion – dabei wahrhaft Unerhörtes zu Tage fördert.
Summe der geistigen Situation
Im 'Requiem für einen jungen Dichter' zieht Zimmermann kurz vor Ende seines Lebens – er beendete es 1970 mit dem Freitod – die Summe der eigenen Biografie, die Summe aber auch der geistigen Situation seiner (Lebens-)Zeit, nämlich jener rund fünfzig Jahre zwischen der russischen Oktoberrevolution und dem Einmarsch der Warschauer-Pakt-Truppen in die Tschechoslowakei. In Gestalt einer labyrinthischen Collage aus einer Vielzahl literarischer und philosophischer Texte, dokumentarischem O-Ton sowie elektronischer und live gespielter Musik entblößt der Komponist das monströse Gesicht der Moderne, stellt Bezüge zwischen unterschiedlichsten Quellen her und demonstriert die Macht – oder auch Ohnmacht – der Sprache, ein Umstand, auf den schon der Untertitel ‚Lingual für Sprecher, Sopran- und Bass-Solo, drei Chöre, Orchester, Jazz-Combo, Orgel und elektronische Klänge nach Texten verschiedener Dichter, Berichte und Reportagen’ hindeutet.
Die Besonderheit dieses Verfahrens liegt in der räumlichen Anordnung der verschiedenen Klanggruppen, ihrer Aufstellung um das Auditorium herum, die dazu führt, dass das Publikum permanent von Klängen umkreist wird. Was eine Stereo-Aufnahme nicht nachvollziehen kann, wird im 5.0-Surround-Sound der SACD zum eigentlichen Erlebnis: die Konstruktion eines veränderlichen, aus Sprache und Klang gefügten Hörraums, der den Hörer zum eigentlichen Mittelpunkt macht. Diese Wirkung ist nun – eine entsprechende Anlage vorausgesetzt – vom Konzertsaal ins heimische Wohnzimmer transportierbar und verblüfft mit ihrer enormen Intensität. Obgleich die vielfachen Überlagerungen der von Zimmermann komponierten Schichten sich generell gegen eine genaue Entschlüsselung sträuben und Bedeutung gerade durch ihr zufälliges Aufeinandertreffen gewinnen, sind Klangergebnis und Sprachpräsenz um vieles deutlicher, als man dies von den bisherigen Einspielungen gewohnt ist.
Aufnahme
Der Produktion liegt eine Live-Aufnahme zugrunde, die am 23. Juni 2005 im Concertgebouw Haarlem (Niederlande) aufgezeichnet wurde. Dass man dabei von Anfang an sowohl in Bezug auf die räumliche Anordnung von Lautsprechern, Solisten und Klanggruppen als auch im Hinblick auf die Einstudierung und Wiedergabe des Werkes mit größtmöglicher Sorgfalt verfahren ist, davon legt das klingende Ergebnis Zeugnis ab. Die musikalische Umsetzung unter Leitung von Bernhard Kontarsky nimmt einerseits durch Klarheit, andererseits aber auch durch große Subtilität für sich ein: Der Dirigent handhabt die riesige Besetzung – es musizieren Claudia Barainsky (Sopran), David Pittman-Jennings (Bariton), der Tschechische Philharmonische Chor Brno, der Slowakische Philharmonische Chor, die EuropaChorAkademie, das Eric Vloeimans Quintet, Jan Hage (Orgel) sowie die Holland Symfonia – wie eine überdimensionale Farbpalette und setzt die unterschiedlichen Qualitäten sehr gekonnt gegeneinander ab, lässt stellenweise kantig gemeißelte Orchesterparts gegen klanglich vielfach gestaffelte Chorpassagen prallen und leitet aus diesen Wechselwirkungen die Spannungsverläufe für die gesamte Wiedergabe ab.
Dass aus der in höchstem Maße geschlossenen Gesamtleistung die eindringlich agierenden Sprecher Michael Rotschopf und Lutz Lansemann noch einmal besonders heraus ragen, ist nicht nur ihrer packenden stimmlichen Umsetzung der komplexen Sprechparts, sondern auch der Klangregie von João Rafael zu verdanken, der für die räumliche Bewegung der Klang- und Textschichten sorgt. Obgleich sich die SACD auch auf einem normalen CD-Player abspielen lässt und der Eindruck von Räumlichkeit wesentlich größer ist als bei einer normalen Stereo-Aufnahme, entfaltet sich die Wirkung solcher Bewegungsmomente erst bei der Benutzung eines Surround-Systems in seiner ganzen Pracht. Dann freilich hat man als Hörer den – bisweilen unheimlichen – Eindruck, in den pulsierenden Klangsog von Zimmermanns Musik hineingezogen und von dem Ergebnis schier verschlungen zu werden.
Editorische Leistung
Dass man mit der Wucht des 'Requiems' nicht allein gelassen wird, dafür sorgt ein exzellentes 76-seitiges Booklet, das sich der Zimmermannschen Komposition auf unterschiedliche Weise nähert. Ein ausgedehnter Einführungstext Patrick van Deurzens nimmt den Hörer bei der Hand, führt ihn in die Problematik des Werkes, in die einzelnen Textebenen sowie – unterstützt durch exakte Zeitangaben – in den formalen Verlauf ein. Angesichts der komplexen Thematik geschieht dies mit erstaunlich leichter Hand, so dass derjenige, der sich bislang nicht mit der Komposition befasst hat, eine ebenso kompetente wie verständliche Einführung erhält. Wer dann noch tiefer in die Materie eindringen möchte, kann – gleichfalls ergänzt durch präzise Zeitangaben – auf eine detaillierte, wenn auch aufgrund des Booklet-Formats sehr klein abgedruckte Analyse der Textstruktur von Elisabeth J. Bik aus dem Jahr 1976 zurückgreifen, anhand derer deutlich wird, wie die unterschiedlichen Textebenen miteinander verschränkt sind.
Damit nicht genug, enthält die Beilage auch zahlreiche, zum Teil bislang unveröffentlichte Fotografien sowie einzelne Skizzenreproduktionen aus dem Bernd-Alois-Zimmermann-Archiv der Akademie der Künste Berlin. Dass dies alles mit großer Akribie editiert wurde, erkennt man nicht zuletzt an den Korrekturen, die der Lebenslauf des Komponisten erfreulicher Weise erfahren hat, indem man ihn von immer wieder falsch angeführten Daten bereinigte. Letzten Endes ist die Produktion ein sprechender Beleg dafür, dass Cybele, ursprünglich als Nischenlabel gestartet, in puncto interpretatorischem Standard, aufnahmetechnischer Qualität, klanglicher Realisierung und editorischem Niveau längst die großen der Branche weit hinter sich gelassen hat, denn deren standardisierte Produktionsnormen werden durch die hier erkennbare konsequente Ausnutzung innovativer Aufnahmetechniken ebenso deklassiert wie die häufig lieblos gestalteten Booklets sich nicht mit der editorischen Sorgfalt dieser Veröffentlichung messen können. Ich halte es daher keinesfalls für übertrieben, die SACD als eine der wichtigsten Veröffentlichungen der vergangenen Jahre überhaupt zu bezeichnen; sie sei jedem Hörer, der sich für neuere Musik interessiert, als absolute Empfehlung ans Herz gelegt.“
(Dr. Stefan Drees)
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www.opusklassiek.nl, December 2008:
RECORD OF THE MONTH
"Because of the great historical importance and because of the quality ... classified for the Record of the Month."
(Aart van der Wal, www.opusklassiek.nl)
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stereoplay, 4/2009:
AUDIOPHILE SACD OF THE MONTH - Klingende Offenbarung (stereplay Klangtipp - Music 10/10, Sound 10/10)
"„0riginalklang ist nicht immer ein Echo ferner Zeiten. In Bernhard Kontarskys Neuaufnahme von Bernd Alois Zimmermanns „Requiem für einen jungen Dichter" hält die Zeitmaschine in den 1960er Jahren. Dank SACD wird in dem Live Mitschnitt erstmals Zimmermanns Raumklang-Konzeption (samt Verwendung der restaurierten Originaltonbänder) auf Tonträger gebannt. Das Ergebnis ist eine klingende Offenbarung einzig angemessen der Vielschichtigkeit des Sprach-Musik-Werks. Zimmermann, der große von Hitler und Goebbels. Außenseiter der Nachkriegsmusik, sprengte die Selbstbezüge der Neutönerei, entwickelte collageartige Techniken zu musikalischer Formung: zum protestierenden Gegen
klang angesichts der neo-babylonischen Sprachverwirrung moderner (Medien )Wirklichkeit. Im „Requiem" werden live musizierte, im eruptiven Avantgarde Stil der Zeit vertonte Teile der Totenliturgie konfrontiert mit einem auf Zuspielbändern gesampelten Pandämonium an Stimmen und Klängen: vom Beatles Song „Hey Jude" bis zu Wittgenstein, von Papst Johannes XXIII. bis zu Mao Tse-tung, von Isoldes Liebestod bis zu den Hassreden.
Die Fülle der Zitate, zu denen titelgemäß Dichter Worte von Majakowski bis Konrad Beyer gehören, kreiert – um mit Celan zu reden – Todesfugen im Sprachlabyrinth: individuelles Grauen, aber auch Spuren der Hoffnung. So spielt Zimmermann keinem bestimmten Dichter ein Requiem, sondern der Sprache selbst, die wortmächtig und doch machtlos bleibt angesichts ihres Missbrauchs. Musik bietet da keinen Trost, sondern allenfalls die Expressivität des Unsagbaren.
Kontarsky verleiht den Ton-Sätzen glühende Intensität, spannt die Extreme von unerbittlicher Härte bis zu kontemplativer Vergeistigung. Minuziöse Dynamik und die bis in strukturelle Feinheiten reichende Tiefenschärfe machen das Hören zu einer Abenteuerreise durch die Real Polyphonie des vokal instrumentalen Riesenaufgebots.“
(Martin Mezger)
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www.muzyka21.com (Polen), Juni 2009:
CD OF THE MONTH
"Bernd Alois Zimmermann byl jedna z ciekawszych osobistosci muzycznych
drugiej polowy XX w.. Jego kariere kompozytorska przerwala niestety
samobójcza smierc i – o ironio – wlasciwie dopiero po niej uzyskal nalezne
uznanie i slawe. Byl zreszta kompozytorem gruntownie wyksztalconym,
ponadto studiowal filozofie i germanistyke. W pamieci potomnych zapisal
sie jako czlowiek bezkompromisowy, wytrwaly polemista, ale przy tym twórca
niezwykle wrazliwy i pelny inwencji.
Omawiana plyte wypelnia magnum opus artysty, bedace zreszta w duzym
stopniu requiem dla niego samego. Napisane na ogromny sklad, zawiera
w sobie kwintesencje calej drogi twórczej Zimmermanna. Wychowany pod
wplywem Strawinskiego i Weberna szybko wyksztalcil indywidualny i latwo
rozpoznawalny styl. Przy tym zafascynowany jazzem i popkultura, czy wreszcie
srodkami elektronicznymi – stworzyl dzielo o wyjatkowym ladunku emocjonalnym.
Jego strukture tworza z jednej strony masywne formacje glosów i
partii orkiestry, z drugiej zas bogaty kolaz o paradokumentalnym charakterze.
W dodatku rozgrywajacy sie jakby na wielu plaszczyznach czasowych, co
zreszta bylo jedna z obsesji kompozytora, bez watpienia jawiacego sie jako rasowy postekspresjonista. Uslyszymy zatem gaszcz archiwalnych nagran
róznych polityków – takze Churchilla, Chamberlaina, Hitlera (sic !) i Dubczeka,
czy tez spory fragment piosenki The Beatles. Swoje piec minut bedzie mial
takze zespól jazzowy. Istotny wplyw na budowe nastroju maja oczywiscie
narrator i solisci, poslugujacy sie tekstami zaczerpnietymi z Joyce’a, Pounda,
Camusa, Majakowskiego i kilku innych autorów.
Mogloby sie wydawac, ze w ten sposób powstalo dzielo eklektyczne,
przeladowane trescia i w istocie nieprzyswajalne dla wiekszosci odbiorców.
Jest jednak inaczej. Bez mala 40 lat po premierze mozna smialo powiedziec,
ze mamy do czynienia z klasykiem muzyki XX w. Wyrazistym, niezwyklym
i wprost naladowanym emocjami. A przy tym stawiajacym bardzo wysokie
wymagania wykonawcom. I tu trzeba przyznac, ze wykazali sie oni wyjatkowym
kunsztem, realizujac zamysl autora w sposób absolutnie doskonaly
(a dodajmy, ze mamy do czynienia praktycznie z nagraniem na zywo). Nie
sposób wyróznic kogokolwiek, wszyscy staneli na wysokosci zadania. Nie
moglem sobie odmówic przyjemnosci porównania tego nagrania z wczesniejszymi,
zwlaszcza starszym o 10 lat i zrealizowanym dla Sony Classical.
Plyta wytwórni Cybele zawiera wykonanie wzorowe i wzorcowe. Jesli ktos
mialby ochote na wysluchanie dziela Zimmermanna, z czystym sumieniem
moge polecic wlasnie te pozycje. Tym bardziej, ze jej strona techniczna
równiez nie budzi zastrzezen. Jest to zreszta kolejna plyta wieloformatowa
– moze byc odtwarzana jako konwencjonalny CD, ale takze tzw. Super
Audio CD z projekcja wielokanalowa. I choc to kwestia mniej istotna, na
uwage zasluguje takze strona graficzna wydawnictwa. Odbiorca znajdzie
tu mnóstwo informacji o samym dziele, teksty, a nawet fragmenty partytury.
Osoby lubiace szczególowo analizowac utwory beda w siódmym niebie.
Goraco polecam wszystkim melomanom."
(Dariusz Mazurowski)
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Resmusica (www.resmusica.com), 13.7.2009:
Resmusica La Clef
"A la place que nous devrions occuper à présent se trouve toujours et encore la génération plus ancienne, et quand nous nous y trouverons enfin, la plus jeune nous aura dépassés, si nous ne prenons pas garde. Voilà le cadeau que nous a offert le Reich millénariste pour compenser le fait de nous avoir volé notre jeunesse ». Bernd Alois Zimmermann, auteur de cette citation, ne croyait pas si bien dire. Venu sur le tard à la musique sérielle – en raison de son interdiction en Allemagne jusqu'en 1945 – Bernd Alois Zimmermann était déjà « trop vieux » et appartenait au passé face aux jeunes lions de l'Ecole de Darmstadt. Convaincu qu'un « Art total » autre que wagnérien, incluant les nouveaux médias qu'étaient la radio et le cinéma, était possible, il lègue à la postérité quelques oeuvres monumentales, dont l'opéra Die Soldaten et ce Requiem für einen jungen dichter (Requiem pour un jeune poète), son avant-dernière œuvre achevée.
Démentielle, tel est bien le terme qui convient à cette pièce pour orchestre symphonique (sans violons ni altos), quintette de jazz, musique électronique, sons pré-enregistrés, orgue, deux récitants, deux chanteurs solistes et trois chœurs mixtes répartis autour du public. Une somme de textes et d'enregistrements du XXe siècle, de sources littéraires, politique ou d'actualité est mêlée à des extraits de la Messe des morts. Ludwig Wittgenstein, James Joyce, Eschyle, Schiller (seules exceptions), Vladimir Maïakovski, Sandor Weöres, Kurt Schwitters, Albert Camus, Ezra Pound, Konrad Bayer et Hans Henny Jahn y cotoient Alexander Dubcek, Jean XXIII, George Papandreou, Mao Zedong, Imre Nagy, Adolf Hitler, Neville Chamberlain, Joachim von Ribbentrop, Joseph Staline, Joseph Goebbels, Winston Churchill, Roland Freisler et Otto Ernst Remer, avec des textes venant de documents officiels (annexion de la Bohème-Moravie en 1939, Constitution de la RFA en 1949, …). Grec ancien et moderne, français, anglais, allemand, tchèque, hongrois et latin sont mélangés, au service d'une oeuvre polyglotte qui se veut l'expression la plus désespérée d'une Europe en fin de vie, déchirée par plusieurs guerres et plusieurs dictatures et séparée en deux par le « rideau de fer ». Ce melting-pot ne se limite pas à la linguistique : servi par un langage musical radical, le Requiem pour un jeune poète multiplie les références autres : un quintette de jazz vient accompagner un blues chanté par la soprano, Beethoven, Milhaud, Messiaen et les Beatles sont cités brièvement.
Pour servir cet acte colossal, qui de mieux que Bernhard Kontarsky ? Signataire de l'unique version des Soldaten (en CD chez Teldec et en DVD chez Arthaus), défenseur de la musique de Zimmermann, il mène à bon port l'ensemble des ses troupes. Claudia Barainsky et David Pittman-Jennings sortent vainqueurs des terribles vocalises qui leurs sont confiées. L'enregistrement, très logiquement fait avec le support SACD, est d'une remarquable finesse, bien que ce Requiem ne puisse prendre sa vraie valeur qu'en concert. Saluons l'éditeur Cybele pour une telle entreprise risquée et audacieuse en période de crise du disque, d'autant que le livret d'accompagnement est d'une qualité exceptionnelle (à condition d'être anglophone ou germanophone)."
(Maxime Kaprielian)
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Pizzicato (Luxemburg), November 2009:
"EXCELLENTIA AWARD" - CD OF THE MONTH
„Die Oper von Bernd Alois Zimmermann (1918 1970) 'Die Soldaten' ist eine der eindrucksvollsten Anklagen gegen Krieg und Unmenschlichkeit, die im 20. Jahrhundert komponiert wurden, und auch dieses großartige, 1967 1968 entstandene 'Requiem für einen jungen Dichter' stellt eine kompromisslose Anprangerung der Gesellschaft dar, in der Zimmermann gelebt hat. In der nun vorliegenden, überragenden SACD Produktion verbinden sich die bestehenden elektroakustischen und Sprach Dokumente mit einer homogenen überzeugenden Darbietung vom 23. Juni 2005 im Concertgebouw Haarlem, die von Bernhard Kontarsky, einem der besten Anwälte Zimmermanns, optimal geleitet, eher noch: gestaltet wurde.
Der Zeitzeuge Zimmermann hatte den Zweiten Weltkrieg am eigenen Leibe erlitten und, trotz seiner religiösen Überzeugungen, immer stärker die Hoffnung verloren, dass es je eine Welt ohne Krieg geben könnte. Was Worte daher noch ausrichten können, fragt er sich, und demnach auch, was Musik überhaupt tun kann: Deswegen gibt es ein Wittgenstein Zitat gleich zu Beginn dieses Requiems, das aus vier ineinander übergehenden Teilen besteht: Prolog, Requiem I, Requiem II (Rappresentazione, Elegia, Tratto, Lamento) und Dona nobis pacem.
In eingeblendeten historischen Originalaufnahmen werden sowohl Hitler, Goebbels und Freisler, als Stalin, Chamberlain und Churchill, Imre Nagy, Dubcek, Andreas Papandreou und viele mehr zitiert und in eine ungemein komplexe Struktur eingeflochten. Hinzu kommen Worte aus dem Grundgesetz der Bundesrepublik oder aus dem 'Roten Buch' von Mao Zedong, sowie Zitate aus Werken von Aischylos, Joyce (Ulysses, Finnegan's Wake), Schwitters (Anna Blume), Camus (Caligula), Ezra Pound u. v. a. Man hört Bruchstücke von Beethovens 9. Symphonie, von Isoldes Liebestod, von 'Hey Jude' der Beatles. Das Ganze ist mit perfekt vokalisierenden Chorstimmen, Instrumenten und elektroakustischen Klängen unterlegt und wird von den ausdrucksstarken Solisten und Sprechern weitergeführt im 'Dons nobis pacem' des 'Agnus Die', das hier wohl seine dramatischste Vertonung überhaupt gefunden hat.
In der Nachbesinnung, erscheinen aber die eingeflochtenen Texte der Dichter Sergei Jessenin, Wladimir Majakowski und Konrad Bayer ('der sechste sinn') als die bedeutsamsten: Alle drei starben nämlich von eigener Hand, und sie werden demnach Teil des Eigen-Requiems von Bernd Alois Zimmermann: Keine zwei Jahre nach der Schöpfung dieses Meisterwerkes, am 10. August 1970, schied auch er, ein Leidender, zweifelnd und verzweifelt aus dem Leben. Somit wird diese Produktion von Cybele zu einem einzigartigen Testament, dank auch des SACD Verfahrens, wodurch das 'In der Mitte Sitzen' des von Klängen, Tönen, Gebrüll, Worten, Geräuschen umgebenen Publikums eindrucksvoll widergespiegelt wird. Das Booklet (Patrick van Deurzen) ist zudem allein schon preiswürdig.“
(GW)
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Resmusica (www.resmusica.com), 3.12.2009:
Key of the Year Award (Best Record of the Year) in category Choral Music
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Gramophone Magazine, issue June 2010:
One of the "250 Greatest Recordings of All Time"
An independent jury of 35 international musicians (Semyon Bychkov, Sarah Chang, Hilary Hahn, Marc-André Hamelin, Angela Hewitt, Neeme Järvi, David Zinman etc.) selected our SACD to be one of the "250 Greatest Recordings of All Time".
The jury: "An unsettling scream of an anti-war work".
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Karl Amadeus Hartmann: Complete Works for String Quartet
Nominated for "Deutscher Hörbuchpreis 2010" (Category "Best Information")
Neben der Musik Karl Amadeus Hartmanns bietet das Hörbuch einen Zugang zum Menschen hinter dem Kunstwerk, im Spannungsfeld zu seinen Lebensumständen, der politischen Situation, seiner Familie, seiner körperlichen und geistig-seelischen Verfassung und der Zeit, in der er lebte. Es zeigt den Menschen der mit Sorgen zu kämpfen hat, der zweifelt, hofft, liebt und stirbt.
The Jury: "Spannende und tiefgründige Einblicke in eine
bewegte Zeit – gesellschaftlich, politisch, künstlerisch und ganz persönlich menschlich. Sehr liebevoll ediert. Eine Chance, unerwartet wunderbare Musik neu zu entdecken."
Gramophone Magazine, April 2010:
Editor's Choice Award
“Part chamber recital, part audio book, Cybele's new three-disc set is fascinating”
“Hartmann’s music involving string quartet is spread unevenly throughout his career, the Little Concerto and First Quartet written during die composition of the Chamber Concerto (1930-35), which is in truth a clarinet concerto, and the Second Quartet following in 1945-46 (revised 1948). The musical novelty here is the bright and vivid Single span Little Concerto for quartet and Single percussionist (1931-32), receiving astonishingly its premiere recording here. The Doelen Quartet and Wilbert Grootenboer do it proud. The Doelen Quartet also give polished performances of the numbered quartets. The Pellegrini are the best of the rivals, taking a more expansive fine. However, I like the Doelen's tauter, more driven approach and their intensity is more rewarding overall, especially in No 2, Hartmann's chamber masterpiece. Yet the First (1933) emerges here truly as a prize winning work the title ‘Carillon’ derived from the Belgian competition it won in 1935. The Doelen are relatively minor players in the Chamber Concerto, the focus squarely an the clarinet. Suffice it to say Arjan Woudenberg acquits himself superbly, despite strong rivalry from Paul Meyer in a marvellous orchestral programme. The Set is the first in a new series, ‘Artists in Speech’ (to render ‘Künstler im Gespräch’ literally). For German speakers and scholars of this composer, the spoken extras may be the main attraction here. These account for over half the playing time, comprising Hartmann himself speaking in 1962 about his life, Schoenberg, Concerto funebre, opera and ‘Art and Politics’, plus reminiscences from his wife Elisabeth (recorded privately in 1994) and son Richard. Sadly, no English versions or transcripts are available but track titles hint at the content, for example, ‘I wish that he could have told more’, ‘Buried Treasure during World War II’, ‘The Sacred Spaces of his Father’. As research material these are invaluable but of lesser interest to the general listener. Sound quality throughout is very fine, even with the older spoken items. A fascinating issue.“
(Guy Rickards)
www.resmusica.com, 10.2.2010:
Resmusica La Clef Award
« L’année 2005 sonnait le centenaire de la naissance de Karl Amadeus Hartmann. Quatre ans plus tard, Cybele Records inaugure sa collection « Künstler im Gespräch » avec un triple CD qui met en évidence les œuvres pour quatuor à cordes du compositeur bavarois.
Un album (3 SACD, Super Audio CD) fourni d’autant de papier que de musique, ainsi que trois instants de paroles enregistrées qui tournent autour de Hartmann ou dévoilent les mots du compositeur lui-même au sujet de son travail. Comme une volonté d’éviter les interprétations déviantes ou l’incompréhension d’une musique qui, dans l’idéal, devrait se révéler parfaitement d’elle-même. Un contexte, un plan large et précis ; les mots, les images et le son. Chacun pourra tenter d’appréhender la musique et les nombreuses photos de la pochette certainement ; les germanophones seulement profiteront des entretiens, et l’anglophone occasionnel se débrouillera avec le livret. Un « album-document » riche, très intéressant, moins excitant lorsque — la galette dans le lecteur — le joyeux mélomane est forcé d’enchaîner la musique d’Hartmann avec les discours et commentaires (pas si courts) en allemand. Qu’il zappe ou qu’il s’intéresse !
Sur la musique : le choix particulier des œuvres pour (ou avec) quatuor à cordes d’un compositeur reconnu comme un grand symphoniste (8 symphonies). Compositeur exigeant qui détruisit beaucoup de ses travaux ; compositeur engagé, marqué par la seconde guerre mondiale, influencé, selon ses époques, par Bartók, Kodaly, Stravinsky ou Webern.
Deux quatuors à cordes, le second comme une œuvre de maturité et deux pièces qui mêlent le quatuor à cordes (en l’occurrence le DœlenKwartet, très appliqué) aux percussions (de Wilbert Grootenbœr, excellent) pour l’une, à la clarinette (d’Arjan Woudenberg, que l’on ne perd qu’avec regret à la fin du concerto) et l’orchestre (Sinfonia Rotterdam sous la direction de Conrad van Alphen) pour l’autre. Le mélange délicat de la musique de chambre et de la musique concertante ; un mélange réussi qui permet d’apprécier toute la variété de la musique d’Hartmann, entre personnalité musicale et réminiscences diverses. Une musique claire, intelligible, dans tous les cas, parfois très significative politiquement (le très coloré Concerto de chambre) ou stylistiquement (Petit Concerto, avec percussions), intéressante au minimum (enthousiasmante le plus souvent), bien servie pour ce recueil et bien entourée dans ce recueil ; un bel objet dans sa discothèque. »
(Pierre Solot)
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Rolf Riehm: arikosenbaeume gibt es, aprikosenbaeume gibt es
"Preis der deutschen Schallplattenkritik" (Bestenliste 1/2009) -
Jury Contemporary Music
The Association of German Records Critics honors this SACD with the "German Record Critics' Award" as a Recording of Exceptional Artistry and selects it as one of the "Quarterly Best" of New Releases for the First Quarter 2009.
FonoForum, 5/2009:
„Stern des Monats“ (Star of the Month)
(Music: 5 Stars, Sound: 5 Stars)
„Ob Märchen, antiker Mythos oder gesellschaftliche Realität die Sujets von Rolf Riehm sind so vielfältig wie ihre musikalischen Wahrnehmungen und Reaktionen. Hier sind es vor allem literarische Quellen, die diese durchweg exzellent eingespielten Auftragswerke des WDR für die Wittener Tage für neue Kammermusik auf den Plan gerufen haben, fern konventioneller „Vertonung" versteht sich.
Einen selbst für Riehm'sche Verhältnisse extremen, manchmal fast spröden Grad der Abstraktion erreicht da „aprikosenbäume gibt es, aprikosenbäume gibt es" von 2004 nach dem Gedicht „Alfabet" von Ingwer Christensen. Die Gleichzeitigkeit eines assoziativen Wort Wucherns und rigiden Formalismus der Struktur transformiert Riehm in einen Monolog für Kontrabassklarinette (für den viel zu früh gestorbenen Wolfgang Styri geschrieben), der mit einer unterdrückten, wie im Keim erstickten Expressivität aufwartet. Eine eigenartige Kälte liegt über diesen brüchigen Rezitationen (brillant: Theo Nabicht!), in die erst spät die Instrumentalstimmen verwoben werden.
Die bewusste Zusammenführung divergenter Ausdruckssphären beherrscht auch „Ahi bocca, ahi lingua" für vier Vokalisten, wo Spuren Monteverdis auf Theaterfragmente von Rainald Goetz treffen und Musik vor allem in den „Leerstellen nach den Satzzeichen" stattfindet. „Schlaf, schlaf, John Donne, schlaf tief und quäl dich nicht" huldigt dem englischen Renaissancedichter in der amorphen Zerdehnung eines einzigen Satzes, der eine Instrumentalcollage aus bruitistischen Akkordeon Einwürfen, Alte MusikSounds und brachialen Techno Attacken zusammenhält. Poesie der Unvereinbarkeit.“
(Dirk Wieschollek)
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Tilo Medek: Organ Works
"Preis der deutschen Schallplattenkritik" (Bestenliste 2/2009) -
Jury Organ Music
The Association of German Records Critics honors this SACD with the "German Record Critics' Award" as a Recording of Exceptional Artistry and selects it as one of the "Quarterly Best" of New Releases for the Second Quarter 2009.
www.musicweb-international.com, January 2009
RECORDING OF THE MONTH
“Some of the most unearthly musical sounds I have ever heard ..."
"My experience with the music of Tilo Medek had, until receiving this CD, only been in playing his Abfahrt einer Dampflokomotive for flute ensemble – one performance of which can be seen on YouTube. I’m the one with the biggest flute: excellent for making steam train noises. That particular piece is full of smoky, pictorial East-German proto-minimalism, but wasn’t really much in the way of a preparation for the contents of this valuable new disc from Cybele.
The works are not programmed in chronological order, though that is the way they are dealt with in Martin Schmeding’s fine and detailed booklet notes. Much as Medek resisted the repressive regime of the German Democratic Republic, so his organ work often resists the temptation to use the instrument in conventional ways, seeking new colours and tunings - at times to startling effect. Think of the parts in Keith Jarrett’s ‘Hymns and Spheres’ where he uses the stops pulled out half way – which Medek’s work predates despite the claims on that original 1976 ECM LP sleeve, or Ligeti’s Volumina or Etude No.1, ‘Harmonies’, and you have some aural image of the way Medek bends and teases the tones and chords in a most un-organ like way. He also uses it almost percussively, with jabbed chords like a bed of nails, and sometimes with a surprisingly graceful refinement, bowing to the deep debt we all owe to musical history, and perhaps revealing aspects of his own background in musicology.
Wandlungs-Passacaglia is such a work, breaking us in gently with a surprisingly restrained gesture towards the past. The English translation of the note on this piece has unfortunately been lost in the layout behind a nice photo of Medek with Irina and Alfred Schnittke, but from what I can tell it is a piece which had its origins as part of a larger oratorio. The conventional, almost Karg-Elert style passacaglia theme builds through several cycles, but doing little more than getting our ears tuned up to the rich character of the Sauer organ. B-a-c-h, Vier Töne für Orgel is more ‘avant-garde’ and of its time, being an anti-complex study on the four b-a-c-h tones, exploring the tonal variety of the organ, as well as introducing morse code, Mozart’s symphony in G minor, a funeral march and other elements. There is some gorgeous bending of notes done by manipulating the stops, and magical effects with the de-tuned notes of the final few minutes. Hearing a Beethovenian development of four notes for nearly eight minutes may not seem very digestible, but we do learn a great deal along the way.
Verschüttete Bauernflöte or ‘Buried rustic Flute’ was Tilo Medek’s first piece for organ. Inspired by the sound and possibilities of the large organ in Merseburg Cathederal, the composer uses extremes of registration – high and low, to go against the conventional notions of what an organ should sound like. There is a great deal of material which draws in from the polarisation of the opening, but there is a huge amount of ‘different’ colour in the sound, which gives the music a juicy textural quality, even while the actual notes seem to verge on tonal anarchy. The final three minutes or so are quite sublime, with the creepy slides of the gradually opening stops, stabbing chords and gasps from the pipes giving up their ghostly presence to a sequence of almost medieval timelessness.
Quatemberfeste für Orgel or ‘Ember Days’ is a four movement cycle composed for the inauguration the new Karl Schuke organ of the St. Lamberti parish church. This piece contains popular elements, such as the surprisingly appealing set of songs and dances in the opening movement, Lambertussingen. This is followed by a lyrical movement; The Tower Horn, in which the organ plays a fictitious ‘duet’ with the warden of the tower. Echoes of Angels is another lyrical piece, the title referring to a radar technologist’s term for atmospheric interference. The real showstopper is the final Schnurrpfeifereien, which throws all of the available effects of the instrument into the melting pot. These include bells, ‘Vox celestis’, and various birdsong elements such as cuckoos and nightingales. Even with the expected spectacle of the conclusion the music is actually quite subtle and refined, and, while the crowd-pleasing aspect of such a commissioned work has to be a consideration it is good to hear the craftsmanship of a remarkable and skilled composer at work on an instrument with which he clearly felt a great affinity.
One of the most incredible pieces on this disc has to be Gebrochene Flügel or ‘Broken Wings’. It is certainly the most extreme in terms of the use of half-pulled stops, and the effects of the de-tuning this creates are both disorientating and awe-inspiring at the same time. The running notes of the middle section are something like the soundtrack of a pub space-invaders game played in a huge bath of honey-soaked ping-pong balls, and the point at which the motor for the air pump is switched off at around 6:20 creates one of the most unearthly and breathtakingly marvellous musical sounds I have ever heard while in a waking state.
We end as we began, with a passacaglia. Rückäufige Passacaglia or ‘Retrograde Passacaglia’ was one of the pieces Medek wrote after being ejected from the GDR and welcomed into the musical circles of West Germany. The ‘retrograde’ nature of the piece inhabits its very material, and is not merely a mechanical use of inversion techniques. There are also some remarkable colour effects and plenty of drama in the climactic central section, making this a strong piece with which to conclude a potent programme.
… I have to say this is one of the best organ CDs I’ve heard for some time. The SACD quality is excellent, with some stunning spatial effects. Take the hocketing between low pipes towards the end of the Retrograde Passacaglia for instance. The sense of air and space in the church is something in which one can become totally immersed, and Medek’s music never anything less than absorbing, and more often than not staggeringly impressive. Martin Schmeding’s playing is superlatively good – good enough to allow you to forget there is someone working the instrument and providing 100% transparency for the music. If you are a fan of the 20th century organ you owe it to yourself to own this disc."
(Dominy Clements)
Organ – Journal for the Organ, 1/2009
Referenz-Einspielung (Reference Recording)
„Tilo Medek, 1940 in Jena geboren und an der dortigen Musikschule in Violine, Klavier, Improvisation und Musiktheorie ausgebildet, hatte 1957 als 17 jähriger Oberschüler die DDR noch weitgehend ungehindert verlassen können, um in Darmstadt anlässlich der dortigen Ferienkurse für Neue Musik unter anderem bei Nono, Scherchen und Stockhausen Kurse zu besuchen. Die Eindrücke hiervon hatten Medek nachhaltig geprägt und ihn an der Humboldt Universität in Berlin ein Studium der Musikwissenschaft, Psychologie, Kunstgeschichte und Philosophie beginnen und gleichzeitig an der Deutschen Hochschule für Musik in Ost Berlin ein Kompositionsstudium aufnehmen lassen. Schon 1962 war ihm das seinerzeit gewährte Stipendium von der Regierung allerdings wieder entzogen worden und er bekam mehr und mehr die Widerstände des Systems zu spüren. Künstlerisch erheblich behindert, war er 1977 zusammen mit Wolf Biermann letztlich ausgebürgert worden. Seitdem lebte er bis zu seinem Tod 2006 in der Bundesrepublik Deutschland.
Von der Zwölftönigkeit hatte sich Medek bald wieder abgewandt, danach lag ihm daran, „durch Ironie und Emphase aus dem Erwartungshorizont der Neuen Musik auszubrechen" (so Joachim Dorfmüller). Seit der zweiten Hälfte der Siebzigerjahre propagierte er eine notwendige Rückkehr zur Tonalität und zu einem erfassbaren Rhythmus, denn die Forderung nach „Schönheit" verlange ein verständliches Material (Tilo Medek 1977 in einem Gespräch mit Ursula Stürzbecher).Dieser Entwicklungsbogen ist in der von Martin Schmeding vorgelegten Einspielung eines Großteils von Tilo Medeks Orgelwerken nachzuvollziehen; das jüngste Werk, die Wandlungs-Passacaglia aus dem Jahr 2001, zeigt sich mit seinen tonalen Konstellationen und seinen strukturellen Lösungen fast schon wieder der frühbarocken Tradition verpflichtet.
Die frühen Werke dieser SACD-Einspielung, Medeks erste Auseinandersetzung mit der Orgel, Verschüttete Bauernflöte aus dem Jahr 1969, seine ganz eigene Sichtweise auf die Vier Töne b a c h aus dem Jahr 1973 und Gebrochene Flügel, entstanden 1975, zeigen den Komponisten auf der Suche nach neuen Klängen, ungewöhnlichen Formen und außergewöhnlicher Titelgebung. Auch seine Rückläufige Passacaglia aus dem Jahr 1979 dokumentiert noch mit Vehemenz Ungebundenheit. Medeks vierteiliger Zyklus Quatemberfeste dann, eine Auftragskomposition zur Einweihung der großen Karl Schuke Orgel der Münsteraner Pfarrkirche St. Lamberti im Jahre 1989, lässt ein Maßhalten in der Wahl der Mittel und eine Rückkehr zu »tonaler" Ordnung erkennen. Darauf deuten schon die cantus firmus artige Struktur mit ihren frei mäandernden Anhängseln im zweiten Teil dieses Zyklus („Der Turmbläser") und der emotionale Rückzug in die Innerlichkeit im dritten Teil („Engelecho") hin. Selbst der Zimbelstern findet hier Eingang (in den beiden Ecksätzen des Zyklus).
Der Interpret Martin Schmeding, seit Herbst 2004 Professor für Orgel in Freiburg im Breisgau, nutzt das breite klangliche Spektrum, das die dreimanualige Düsseldorfer Sauer Orgel (2004) bietet, und er vermag den dargestellten Werken Spannkraft und inspirierende Intensität einzuverleiben. Mit hoher Prägnanz meißelt er perkussiv-rhythmische Elemente heraus und er weiß Medeks klanglichem Gestus immer lebendige Kontur zu geben, in filigranen Gespinsten ebenso wie in volumenreicher Registerfülle. Und auch Glissando sowie Flageolett-Effekte vermittels schwindenden Winddrucks und sonstigen avantgardistischen Verfremdungstechniken mit halb gezogenen Schleifen beherrscht Schmeding bravourös.“
(Thomas Bopp)
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Arnold Schönberg: Die Prinzessin (The Princess)
German Music Award "ECHO Klassik 2009"
Category "Klassik für Kinder - Jugend" (Classical Music for Children)
Media Award "LEOPOLD 2009/2010" - "Gute Musik für Kinder" (Good Music for Children), Verband deutscher Musikschulen e.V. (Association of German Music Schools)
"Noch heute, fast 60 Jahre nach dem Tod Arnold Schönbergs, gilt ein Großteil seiner Musik als schwer zugänglich, bleibt der Erfinder der Zwölftontechnik in der Musik ein vom großen Konzertpublikum unverstandener Komponist.
Um so mehr fasziniert diese CD, die einen ganz eigenen Weg gefunden hat, Kindern und Jugendlichen ab 12 Jahren diesen bedeutenden Musiker des 20. Jahrhunderts näher zu bringen.
Im Zentrum steht der Mensch und liebevolle Familienvater Arnold Schönberg, an den sich seine Tochter und die beiden Söhne – mittlerweile selbst Senioren – in lebendigen Erzählungen und mit manch amüsanter Anekdote erinnern.
Besonderer Beliebtheit bei den Kindern Schönberg erfreuten sich die selbst erfundenen Geschichten des Vaters, die sie sich immer wieder von ihm vortragen ließen. Zwei davon, "Die Prinzessin“ und "Afrika“, nahm Schönberg auf Vorschlag seiner Frau wenige Jahre vor seinem Tod auf einen Tonbandvorläufer auf. Sorgsam restauriert und technisch aufgearbeitet sind diese einzigartigen historischen Tondokumente auf dieser CD zu hören.
Sie stehen dabei in enger Wechselwirkung mit den gesprochenen Erinnerungen der Schönberg-"Kinder“ und einer modernen Einspielung der Originaltexte der beiden Geschichten, denen diesmal drei Kinder unserer Zeit temperamentvoll und mit hörbarer Spielfreude ihre Stimmen leihen. So werden auch letzte Verständnisprobleme für Ohren des 21. Jahrhunderts ausgeräumt. Musik Arnold Schönbergs in Neuaufnahmen und historischen Tondokumenten schafft dazu eine zauberische Atmosphäre und erscheint plötzlich gar nicht mehr so fremd.
Die Klammer für die einzelnen Elemente des Features bilden geschickt eingestreute Texte Mirjam Wiesemanns mit Hintergrundinformationen, biografischen Daten, geschichtlichen Bezügen und musikalischem Fachwissen. Äußerst informativ und interessant ist auch das umfangreiche CD-Booklet gestaltet.
Eine wirklich bemerkenswerte Produktion."
hr2-kultur - „CD-Tipp“, September 13, 2008:
„Man kennt ihn als ernsten und gewissenhaften Musiker, als Lehrer und Komponisten. Arnold Schönberg, der Schöpfer der Zwölftonmusik und geistiger Kopf der Zweiten Wiener Schule, zu der Komponisten wie Alban Berg, Anton Webern und Alexander von Zemlinsky gehörten. Über sein Familien- und Privatleben weiß man allerdings wenig, außer vielleicht, dass er Tennis liebte und im kalifornischen Exil sich mit George Gershwin zu duellieren pflegte.
Das ändert sich jetzt mit einem Hörbuch, auf dem Arnold Schönberg höchst persönlich Märchen erzählt. Aufgenommen hat er sie in den 1940er Jahren für seine drei Kinder. Und die plaudern auf dem bei Cybele Records erschienenen Hörbuch auch gleich noch so manche Familienanekdote aus. Niels Kaiser hat dem Märchenonkel Schönberg schon einmal gelauscht.
Was für ein Schlamassel. Ausgerechnet beim Matchball holt sich die Tennis spielende Prinzessin einen blauen Fleck und muss ins Bett. Ihr trotteliger Diener Wolf ist keine große Hilfe. Es dauert ewig, bis er eine Wärmflasche findet. (...) Die Märchenstunde im Hause Schönberg fand für gewöhnlich während des Abendessens statt. Es war die Idee von Schönbergs Frau Gertrud, den Märchenschatz ihres Gatten als Tondokument zu konservieren(...)
Man sieht förmlich die leuchtenden Augen, mit denen die Schönbergkinder damals den Märchen ihres Vaters gelauscht haben müssen(...) Immer wieder kehrt Diener Wolf ohne die verlangte Wärmflasche zur Prinzessin zurück. Besonders witzig klingt das, wenn Kinder von heute die Szenen nachspielen.
Aufgenommen hat Schönberg seine Geschichten auf einem so genannten Webster Wire Recorder, einem Draht-Rekorder, den er eigentlich als Diktiergerät benutzte. Die zwei Märchen, die er darauf aufzeichnete, werden auf der nun erschienenen Erstveröffentlichung umrahmt von Spielszenen mit Kindern, Erinnerungen und Anekdoten der drei Schönbergsprösslinge, und immer wieder mit Musik von Schönberg. Entweder sind das Aufnahmen aus seiner eigenen Plattensammlung oder extrem seltene Raritäten wie dem Marsch der Eisernen Brigade, den er nach dem 1. Weltkrieg für ein Kameradschaftstreffen komponiert hatte.
Auf der (SA)CD mit Schönbergs Märchen sollen auch Zeitgeschichte und Schönbergs Bedeutung als Komponist vermittelt werden. Deshalb gibt es auch einen Schnellkurs in Zwölftontechnik.
Das Hörbuch wendet sich an Jugendliche ab 12 Jahren, ist aber auch für Erwachsene ein buntes und reizvolles Hörerlebnis.“
(Niels Kaiser)
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J. S. Bach: Goldberg Variations BWV 988
DIAPASON, 9/2009:
"5 de Diapason of the Month"
« Apres l'essai malheureux de Gunther Rost (cf. n° 571), c'est avec appréhension que l’on découvre cette nouvelle relecture des Variations Goldberg à l’orgue. Quelques secondes suffisent pour comprendre que Martin Schmeding propose une optique autrement convaincante que celle de son jeune prédécesseur. L'orgue de Dresde impose immédiatement sa distinction de timbres, son vent régulier et plein, sein dynamisme constant dans une acoustique qui l’enveloppe idéalement.
A ses claviers, l’interprète se comporte en parfait registrant: combinaisons respectueuses de l’instrument, inspirées par las pratiques du XVIIe siècle, adaptées à l’écriture de chaque variation, et choisies de manière à rendre compte de certains équilibres de proportion du cycle des Goldberg. Mais le projet interprétatif de Schmeding retient plus encore l’attention. Sa technique serait en mesure de se montrer brillante; il préfère pourtant les tempos modérés, adaptés au cadre de la Hofkirche, sans jamais être ennuyeux: grâce à cela, sa version est ainsi à l’abri de tout « effet Stokowski ». Son sens de la transcription témoigne d'un même souci d'équilibre. Ne rechignant pas à confier au pédalier des parties entières de basse, il n’est pas adepte du systematisme en la matière et le dose très musicalement par ailleurs (Variations XVI our XXII).
Inventif dans l'ornementation des reprises, précis dans les articulations des variations les plus polyphoniques (y compris le Quodlibet joué organo pleno) attentif à l’effet qu’un dernier accord peut provoquer en fonction de sa durée, Schmeding est un organiste complet, aux options parfois discutables (la « récit » de la Variation XXV distendu à force de souplesse agogique) mais assumées avec rigueur, éloquence et sensibilité. Il parvient à persuader l’auditeur que jouer les Goldberg à l’orgue n'est pas qu’une vanité organistique, mais bien un moyen de faire vivre autrement la musique de Bach. Pour cette seule raison, la gageure mérite d'être saluée. »
(Xavier Bisaro)
www.resmusica.com, 8.7.2009:
Resmusica La Clef
"Ce célèbre cycle, écrit à la fin de la vie de Bach, est l’un des plus enregistré. Les versions sont innombrables, comme si chaque interprète de niveau souhaitait laisser sa trace au travers de cette œuvre géniale. Les versions « clavecin » abondent, bien sûr, instrument de prédilection, voulu par Bach, dont la plupart des variations sont notées « à deux claviers », pour faciliter les croisements des voix, parfois très périlleux. Plus tard ce sont les pianistes qui s’accaparèrent ces variations, tant elles convenaient miraculeusement bien à cet instrument que ne connut pourtant pas Jean-Sébastien Bach. Projection vers l’avenir, Bach est en avance, préfigurant ainsi au plus haut point l’adaptation parfaite sur Steinway moderne : témoins, quelques magnifiques visions de références, connues de tous. Pour autant, et c’était prévisible, quelques organistes risquèrent l’adaptation à l’orgue avec plus ou moins de bonheur : on sent l’œuvre moins à l’aise sur l’instrument à tuyaux, par rapport à d’autres cycles, Art de la fugue ou Offrande musicale. Jean Guillou ou Erik Feller en ont donné de belles versions, constituant une approche passionnante dans ce domaine.
Aujourd’hui nous arrive une lecture très remarquable, enregistrée sur le plus grand instrument de Gottfried Silbermann (3 claviers/ 47 jeux) existant à ce jour dans un état quasiment d’origine, sauvé de justesse par démontage, avant le bombardement du 14 Février 1945. Ce grand orgue remonté, de la cathédrale catholique (Hofkirche) de Dresde, sonne ici avec toute la « gravitât » requise et souhaitée par Bach lui-même. L’organiste utilise beaucoup de jeux graves de 16 pieds aux claviers, ce qui donne immédiatement une assise solide à l’ensemble. Chaque variation est un judicieux prétexte à nous faire entendre un mélange différent, original, se basant parfois sur des suggestions laissées par Silbermann lui-même. On se souvient de l’amitié passionnelle de Bach et Silbermann à propos de la méthode d’accord des orgues, l’un souhaitant égaliser le vieux tempérament mésotonique soutenu par le facteur d’orgue.
Ici, la question est réglée, puisque cet instrument est accordé au tempérament égal depuis longtemps. Le jeu de l’organiste est solide et puissant, nous tenant toujours en haleine grâce à une invention et une inspiration sans faille, une véritable intelligence de cette musique. La prise de son est un modèle d’équilibre dans cette vaste acoustique, surprenante, à l’opposé des petites églises au plafond de bois, où trônent encore quelques petits Silbermann de campagne. Le son reste précis et aéré à la fois, l’idéal ! Les tempi sont larges, savamment pensés en fonction de la réverbération. Le système à 5 canaux multichannels apporte, à condition de la posséder, un plus indéniable.
En résumé, une présentation pleinement convaincante d’une œuvre qui ne demandait qu’à s’épanouir dans un contexte inhabituel mais pleinement convaincant. On en oublie la transcription, le pari est gagné!"
(Frédéric Muñoz)
Organ – Journal for the Organ (Germany), issue 2/2010
Reference Recording
„Den vierten Teil seiner Clavier-Übung, bestehend aus einer „Aria mit verschiedenen Veraenderungen hat Bach im dem von ihm selbst veranlassten Erstdruck von 1741 ausdrücklich „vors Clavicimbal mit 2 Manualen" bestimmt. Warum sollte man dieses Werk, das später nach seinem ersten Interpreten, Johann Gottlieb Goldberg (einem kochbegabten Schüler Wilhelm Friedemann und Johann Sebastian Bachs), die geläufige Bezeichnung „Goldberg-Variationen" erhielt nach wohlfeiler barocker Manier nicht ebenso auf der Orgel spielen? Diesem Projekt hat sich Martin Schmeding mit seiner Einspielung verschrieben.
Schmeding, der seit 2004 als Professor für Orgel an der Freiburger Musikhochschule wirkt, verweist darauf, dass die polyphone, zudem mehrmanualige und vielchörige Orgel sicher eine adäquatere Darstellung der kontrapunktischen Partitur gestattet als etwa der moderne Konzertflügel: besonders gilt dies für die Duo Variationen, in denen vielfach Stimmkreuzungen auftreten, was selbst Klaviergrößen wie Glenn Gould in den einschlägigen Klaviereinspielungen nicht befriedigend gelöst haben.
Authentizität wird überhaupt in Schmedings Interpretation großgeschrieben: Ganz anders als beispielsweise der pianistische Jungstar Martin Stadtfeld modifiziert er den Notentext nur sehr sparsam, wenn an wenigen Stellen Oktavtranspositionen notwendig werden. Freilich erscheint Bachs Werk durch seine Versetzung in das heute zumindest ungewohntere Medium der Orgel auch in fremdem Licht. Wo auf dem Cembalo die Linienführung im Vordergrund steht, da fügt die Orgel kontrastierende und changierende, Klangfarben hinzu und verbreitert sie ins somit Flächige: Die cembaleske Zeichnung wird so zum organistischen Tongemälde, ohne dass dabei jedoch die Strukturen verloren gingen. Schmedings Registrierungen reagieren ausdrücklich auf Bachs rational durchdachten Aufbau der Variationenfolge (einzelne Strukturanalysen Gerd Zachers, die weitgehend nachvollziehbar sind und sich nicht zu sehr ins Zahlensymbolisch-Spekulative verlieren, sind zum Verständnis des Hörers im CD-Booklet abgedruckt).
Mit der 1755 eingeweihten, noch von Gottfried Silbermann geplanten und begonnenen Orgel in der Dresdner Hofkirche steht Schmeding dabei ein historisch adäquates Instrument mit einer opulenten spätbarocken Klangvielfalt zu Gebote, das in seinem - vorbildlich restaurierten - Pfeifenbestand dank rechtzeitiger Auslagerung im Jahre 1944 weitestgehend original erhalten ist (Gehäuse und Balganlage gingen allerdings im Bombenangriff vom Februar 1945 unter).
Gleichsam das Rückgrat der Interpretation bilden die virtuosen zweistimmigen Variationen (von Nr. 5 aus die jeweils drittnächsten Nummern des Zyklus), welche eine allmähliche Steigerung in den wachsenden Plenumklang hinein erfahren. Lockerer geht Schmeding bei den Kanons vor, die von Nr. 3 an, ebenfalls in Dreierschritten die Variationenfolge gliedern, sorgt hier aber auch für gewisse Korrespondenzen, indem er häufig eine Art „Streichersatz" herstellt. Klare Zäsuren bilden ferner die Nr. 16 als gravitätische „Französische Ouvertüre" im Grand-Choeur-Klang mit verkoppelten Plenumzungen – dem Präludium in Es (BWV 552) hier überraschend verwandt klingend und die besonders affektvoll realisierten g Moll Variationen. Das klingend-klangliche Ergebnis fällt sehr überzeugend aus; mustergültig ist die Dokumentation der Orgeldisposition sowie aller Registrierungen im CD-Booklet.“
(Gerhard Dietel)
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Jacqueline Fontyn: Orchestral Works
The Top-Record-List of the Year 2009 by the nmz Record Reviewers
(neue musikzeitung, issue 2/2010, Category: Contemporary Music)
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Günther Becker: The Complete Organ Works
www.muzyka21.com (Poland), May 2010:
CD OF THE MONTH
„Günther Becker i jego muzyka organowa – W swojej monografii Zeitgenössische Orgelmusik Joachim Dorfmüller okreslil rok 1960 godzina zero. Istotnie byl to poczatek duzych zmian na gruncie muzyki organowej. Caloksztalt przemian odnosil sie przede wszystkim do jezyka muzycznego, warsztatu kompozytorskiego i estetyki, która nie mogla dluzej pozostac obojetna na nowe trendy jakie pojawily sie w muzyce. Wynikaly one miedzy innymi z nowych mozliwosci barwowych instrumentu (preparacja, klaster), nowych srodków wykonawczych (np. Uderzenia w klawiature dlonia – Mauricio Kagel Improvisation ajoutée), oraz nowych rozwiazan konstrukcyjnych, jakie zaproponowala ówczesna awangarda. Niewatpliwy wplyw na ksztalt muzyki mialy równiez osiagniecia z zakresu innych dziedzin nauki, które do tej pory nie odgrywaly znaczacej roli w twórczosci kompozytorskiej m.in.: fizyka, elektronika, ornitologia (Oliver Messiaen). Mozliwosci, jakie wówczas zaproponowali na gruncie muzyki organowej Messiaen, Kagel i Ligeti, bardzo szybko zyskaly zwolenników wsród tych kompozytorów, dla których dawne srodki staly sie zbyt ciasne, by zapewnic pelnie artystycznej wypowiedzi. Jednym z kompozytorów, których zainspirowala twórczosc ówczesnej awangardy, byl Günther Becker (1924-2007). Jego dziela pomimo dosc nowatorskiego jezyka nie odcinaly sie jednak radykalnie od tradycji muzycznej, jak mialo to miejsce w wielu ówczesnych kompozycjach. Wspanialy przyklad stanowi kompozycja A la mémoire de Josquin, napisana w 1975 r., która jest holdem zlozonym wielkiemu mistrzowi renesansowej polifonii. Becker zastosowal tutaj szereg cytatów z mszy Josquina, które pelnia role interludiów rozdzielajacych i wprowadzajacych w poszczególne czesci improwizacyjne dziela. Utwór rozpoczyna ekspozycja centralnego tonu, który wraz z rozwojem kompozycji jest wyzwalany ze swojej poczatkowej statycznej struktury. Dramatyzm osiagany jest tutaj poprzez gestosc i intensywnosc wystepowania poszczególnych struktur sonorystycznych, w których dosc znaczaca funkcje pelni kolorystyka, uzyskana za pomoca odpowiedniego zestawienia glosów organowych. W zakresie registracji kompozytor w wiekszej czesci zdal sie na wyczucie samego wykonawcy, który staje sie tym samym wspóltwórca dziela, decydujac o odpowiednim kolorycie poszczególnych jego fragmentów. Martin Schmeding (wykonawca) stosuje dosc róznorodne zestawy glosów, wykorzystujac cala palete barw düsselldorfskiego instrumentu, poczynajac od delikatnej fletowej barwy przypisanej dla wiekszosci josquinowskich cytatów, poprzez samodzielne uzycie glosów wysokostopowych np.: Picolo 1’, czy tez Quinte 2 2/3’ (dotad glosy te wykorzystywane byly wylacznie w polaczeniu z 8’,4’ i 2’) i róznych innych zestawów glosowych brzmiacych dosc oryginalnie, a konczac na tutti. Dzielo uzyskalo dzieki temu dosc niezwykly koloryt wynikajacy z duzej ilosci krótkich struktur dzwiekowych skontrastowanych ze soba miedzy innymi za pomoca barwy. Przed wykonawca beckerowskie dzielo stawia dosc wysokie wymagania odnoszace sie, nie tylko do odpowiedniego doboru glosów organowych, ale takze do innych aspektów techniki gry organowej. Na pierwszy plan wysuwa sie plaszczyzna rytmiczna, która wymaga niezwyklej precyzji, aby w sposób poprawny oddac nawet najbardziej skomplikowane uklady rytmiczne, które bardzo czesto zawieraja nieregularnosci w podziale grup rytmicznych. Wykonanie Schmedinga tchnie niezwykla precyzja, która w bardzo dokladny sposób oddaje ducha tego niezwykle skomplikowanego pod wzgledem wykonawczym i interpretacyjnym dziela. A la mémoire de Josquin, to nie jedyne dzielo, w którym iskra inspiracji stala sie tradycja muzyczna. W kompozycji Meteoron (1969) na organy, perkusje i tasme, Becker polaczyl trzy rózne elementy: bizantyjski spiew greckiego kosciola ortodoksyjnego bedacy pierwotnym zródlem inspiracji tegoz utworu, zachodnioeuropejska muzyke organowa i najnowsza zdobycza awangardy – muzyke elektroniczna. Podstawowa strukture brzmieniowa tworzy tutaj przeksztalcony elektronicznie bizantyjski spiew, przerywany przez organy i perkusje. Ten niezwykly pomysl kompozytorski jest dosc oryginalny, a jego koncowy wynik – zareczam Panstwu – jest dosc zaskakujacy. Patrzac jednak na caloksztalt twórczosci Beckera mozna dostrzec pewna prawidlowosc lub – jak kto woli – nieprawidlowosc, wynikajaca z braku jednolitej stylistyki, która ulega pewnej degradacji na rzecz ekspozycji problemów estetycznych, za kazdym razem innych w nowej kompozycji. Dlatego tez tym z Panstwa, których przekonalem do nabycia tego albumu, radze, aby przed sluchaniem danego dziela bardzo doglebnie przestudiowali kontekst powstania, problemy estetyczne i inne uwagi odnoszace sie do konstrukcji czy tez wykorzystania srodków techniki kompozytorskiej, które dosc precyzyjnie przedstawil w nocie o dzielach Dominik Susteck. Wiedza ta zapewni glebszy odbiór dziel Beckera. Album Günther Becker-Das gesamte Orgelwerk, wydany przez firme Cybelerecords specjalizujaca sie w wydaniach muzyki organowej XX i XXI w., to niezwykle cenna pozycja na rynku fonograficznym, która warto nabyc nie tylko po to, aby poznac dziela Beckera, czy tez zrewidowac swoje osobiste odczucia estetyczne, ale równiez po to, aby uslyszec dzwiek 65-glosowego sauerowskiego instrumentu (wybudowanego w roku 2004), Felix Mendelssohn, dodatkowo zwanego takze Europa-Orgel, o którym kazdy szanujacy
sie meloman muzyki organowej powinien co nieco wiedziec. Goraco zachecam.“
(Rafal Grabiszewski)
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Christoph Maria Wagner: Piano Works
Le Monde de la Musique, 1/2008
"Formé à 1'University of Music de Cologne dans la classe de composition de Krzysztof Meyer, également Chef d'orchestre et pianiste, Christoph Maria Wagner compose dans un style qui emprunte à Stockhausen (Klavierstück, Mantra) et à Morton Feldman. Sa musique, qui semble explosée et improvisée mais qui est en fait très organisée et concentrée, sait égarer son auditeur quand il le faut et lui offrir des points d'accrochage là où le besoin s'en fait ressentir. Sa technique pianistique montre une propension aux larges intervalles, nécessitant des déplacements de mains rapides et souvent périlleux.
Ses deux recueils d'Etudes ont été composés entre 1990 et 1994. Chaque pièce porte un titre évocateur et présente un rythme et une Couleur spécifiques.
Chromatomanie est une partition ambitieuse, virtuose et puissante, aux séquences tantôt agressives (successions de glissandos ascendants et descendants en crescendo), tantôt fragiles (suspension et accumulations de notes aigues en pianissimo). Le développement procède par effets cumulatifs: adjonction d'un nouveau motif en variation et répétition. Les agrégats s'enchaînent sans se ressembler, comme si tout se passait à un niveau inconscient.
La pièce à quatre mains Vier bis fünf Geister est pourvue d’une franchise de pulsation et d'articulation qui souligne les métamorphoses des cellules motiviques. L'oreille est séduite par les multiples références qui y sont faîtes au jazz.
Lui-même interprète de ses pièces, Christoph Maria Wagner cherche à atteindre les limites de la densité sonore. La qualité de son inspiration n’en confère pas moins au piano une grande signification expressive."
(Sandrine Khoudja-Coyez)
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Erich Itor Kahn: Piano Works
www.klassik.com, October 31, 2007:
BEREICHERUNG DER MODERNEN KLAVIERLITERATUR
Das Schaffen des Komponisten Erich Itor Kahn (1905-1956) ist eines jener vielen OEuvres, die den Wechselfällen der historischen Entwicklung zum Opfer gefallen sind – verdankt sich doch die heutige Unkenntnis den Folgen einer erzwungenen Emigration in die USA. Glücklicherweise gibt es Interpreten wie den Pianisten Thomas Günther, der sich bereits seit geraumer Zeit mit den faszinierenden Klavierwerken Kahns auseinander gesetzt hat und nun bei Cybele eine SACD mit allen zwischen 1935 und 1951 entstandenen Kompositionen eingespielt hat, wobei seinen Angaben nach lediglich das nicht entzifferbare Manuskript einer Sonatine aus der Feder des siebzehnjährigen Komponisten unberücksichtigt geblieben ist. Die insgesamt zwei Einzelwerke und drei Zyklen bilden ein schmales OEuvre, das im Spannungsfeld von komplexer Zwölftontechnik und polyphonem Komponieren angesiedelt ist und vom Umfang her wie auch im Hinblick auf die musikalische Substanz an das Klavierwerk Arnold Schönbergs heranreicht, dieses jedoch an kompositorischer Bewältigung des instrumentalen Aspekts bei weitem übertrifft. Dies ist kein Wunder, wenn man bedenkt, dass Kahn sich als exzellenter Pianist mit den Möglichkeiten seines Instruments bestens ausgekannt hat, was man dieser spannenden Musik ohne Zweifel durchweg anhört.
Günther, der in den vergangenen Jahren mit einer Einspielung der Klavierwerke von Juan Allende-Blin sowie kürzlich mit einer Aufnahme zweier Sonaten Franz Schuberts auf einem original Streicher-Hammerflügel von 1848 auf sein Können aufmerksam machen konnte, erweist sich auch hier als versierter, fachlich kompetenter und musikalisch überzeugender Interpret.
Die Konzentration des pianistischen Vortrags ist bemerkenswert: Günthers Wiedergabe ist eine ständige Gratwanderung zwischen rigoroser Strenge und ungemein klangvoller Wiedergabe. Am ehesten wird dies in der ‚Ciaccona dei tempi du guerra’ (1943) hörbar, wo der Pianist durch die enorme Spannweite von Nuancen überzeugt, die er in die Musik hineinzulegen versteht. Da ist einerseits der fast asketische und schnörkellose Zugang, mit dem er sich den kontrapunktischen Strukturen nähert, ohne dass es dabei jemals an Transparenz des dicht komponierten Klaviersatzes mangelt; da ist andererseits aber auch die strahlende, sinnliche Klanglichkeit, die immer wieder aus dieser Strenge hervorblitzt und sie von Innen heraus aufbricht. Diese Art des Perspektivenwechsels bleibt in ihrer Realisierung aber höchst kalkuliert und wird geschickt als Mittel pianistischer Steigerung angewandt.
Besonders dort, wo die Vielfalt von Kahns Musik sich auf engstem Raum entfaltet und jedes der Stücke einen unverwechselbaren Charakter besitzt und daher auch einen entsprechenden Zugang erfordert – so in den ‚Huit Inventions pour piano’ (1937) oder in den äußerst knapp formul ierten ‚Six Bagatelles’ op. 5 (1938) –, zeigt sich das ganze pianistische Können Günthers. Die zarten Klänge, die dem Pianisten in dem feinen ‚Sur une berceuse populaire allemande’ aus den ‚Inventions ’ (unterbrochen von heftigen Akzentuierungen) abverlangt werden, das energetische, vorwärts treibende Moment, das die Musik ebenda in ‚Energico e sempre forte, ma leggiero’ zur kontrapunktischen Überlagerung von Akkordschichten treibt oder in den ‚Bagatelles’ eine ebenso rhythmisch präzise wie musikalisch treffende Zeichnung der Miniaturen fordert, offenbaren nicht nur eine meisterhafte Beherrschung des Instruments, sondern auch einen tiefen Einblick in das Wesen dieser Musik und ihrer kompositorischen Voraussetzungen.
Hiervon zeugt neben den fulminanten, klanglich ungemein avancierten und fesselnd dargestel lten ‚Fünf Bagatellen für Klavier’ (1935-38) mit ihren bisweilen schon verstörenden Verdichtungen und harmonischen Wendungen auch Günthers exzellenter Booklet-Text: Denn das Geschriebene vermag dem Leser und Zuhörer tatsächlich vieles von jener Faszination zu vermitteln, die Kahns Werke auf den Pianisten ausgeübt haben und immer noch ausüben. Die Veröffentlichung wird schließlich durch einen ausgewogenen, aufgrund seiner Tiefe sehr plastisch wirkenden Klavierklang abgerundet, der die SACD zu einem richtigen Hörgenuss macht. Die Scheibe sei daher jedem wärmstens ans Herz gelegt, der sich für die Klaviermusik des 20. Jahrhunderts interessiert.
(Dr. Stefan Drees)
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Wolfgang Rihm: String Quartets No. 1, 4, 8, and 5
www.classicstoday.com, May 31, 2007:
"Okay, so it's not "easy listening". These four quartets actually cover a very wide expressive range. The brief (nine minutes) First Quartet actually is the toughest nut, being the most heavily indebted to the Second Viennese School in its relentlessly busy textures and in its avoidance of anything like traditional melody. But the Fourth Quartet, in three movements, is another matter altogether. Here the modern school rubs shoulders with the likes of Bartók and, of all people, Janácek. Its second movement not only shares the Czech composer's favorite tempo designation ("con moto"), but it uses those same propulsive ostinatos in support of surprisingly passionate emotional outbursts.
So while the idiom obviously is more difficult than Janácek's, and there isn't a shred of folk influence, there's more than enough that will be familiar to most quartet fanciers to let them follow the music's course. This, combined with a return to occasional melody and consonant harmony, makes for very compelling listening.
The Fifth and Eighth Quartets follow much the same course, with varying degrees of purely textural sound effects thrown in as well. I have to confess that based on the First Quartet alone I rather dreaded the prospect of hearing the other three, but this initial impression turned out to be mistaken. In any case, the performances are stunning. The Doelenkwartet plays with dead-accurate intonation, fine ensemble balance, and real beauty of tone, even when the music seems not to care. Cybele's sonics in all formats are state-of-the art. This was, if not exactly a "pleasant" surprise, a very impressive and powerful one."
(David Hurwitz)
Luister, 2/2007, www.luister.nl:
“Supreme and breathtaking music” - Luister 10, interpretation 10
“Wolfgang Rihm (*1952) has studied with Stockhausen, but his most important teachers are Schönberg, Berg and Webern. He stands in their tradition of expressionism as a gigantic illumination of the darker corners of Romanticism. His First String Quartet - just like the first part of Berg's String Quartet Op. 3 - is a fully experienced eternity, squeezed into approximately ten minutes. (…) It is in his sense of form where Rihm differs from his three predecessors . The modern Viennese classics were classicists by nature. As with all modernists one feels the classical sense of structure and proportion and most of all the preparation of outbursts. Rihm, however, avoids all preparation. Catastrophes always occur unexpectedly and Rihm is not one who prefers compressed, formalized or sublimized expression. Always at full throttle.
The DoelenKwartet choses the right way of interpretation: Everything or Nothing. After the earthquake of the First Quartet Rihm then throttles slightly, but the musicians play as if in every bar the world was about to collapse, with the accomplished precision and perfection that is necessary to even intensely enjoy the formal. The unheard of richness of sounds is absolutely logical. Whatever bizarre the structure of the work, everything sounds natural. The incredible quality of the dutch becomes even more obvious in comparison with the CD of the Arditti Quartet with quartets nos 3, 5 and 8... In both cases they master the piece tremendously well, but whilst Arditti chooses coldness in order to realize movement, the Doelenaren convince us with warmth. Hopefully the Quartet will exist successfully for a long time so as to delight us with supreme and breathtaking music.”
(E.O.)
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Martin Baltscheit: Vom Mädchen das nicht schlafen wollte
Nomination "Deutscher Hoerbuchpreis 2007" - Category "Special Audio Book / Music"
The Jury about the Audio Book:
One knows for whom this well-done audio book is produced: a great idea - from teenagers for teenagers."
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Vera Forester: Ich möchte lachen vor Todesschmerz - Robert Schumanns letzter Weg
HR2 - CD-Tipp für „Klassik-Zeit" vom 28. Juli 2006:
"Morgen jährt sich zum 150. Mal der Todestag von Robert Schumann. Aus diesem Anlass haben wir alle CD-Tipps dieser Woche Schumann gewidmet. Darunter waren herausragende Neuerscheinungen mit dem Storioni Trio aus Amsterdam, mit dem Liedduo Michaela Kaune und Burkhard Kehring, mit dem Pianisten Stefan Vladar. Gestern dann mit Chorliedern von Schumann und Brahms der französische Kammerchor “accentus.
Aber Robert Schumann – als literarisches Sujet? Einige Autoren haben sich, oft auch mit Erfolg, schon am wechselvollen Leben, am tragischen Sterben und am Werk des Romantikers versucht. Rechtzeitig zum Schumannjahr ist bei Cybele Records als Hörbuch – fast schon als Hörspiel – eine hinreißende Erzählung von Vera Forester erschienen: „Ich möchte lachen vor Todesschmerz . Robert Schumanns letzter Weg“. Wie ein roter Faden zieht sich durch die Erzählung der Rosenmontag des Jahres 1854: es ist der Tag, an dem Robert Schumann einen Selbstmordversuch begeht. Anfang vom Ende, danach kommt nur noch die Irrenanstalt. Gleich von Beginn an wird man mit hineingenommen in die Verzweiflung, die Verwirrtheit, die Ausweglosigkeit eines Menschen, der mit seinem Leben nicht mehr weiter weiß: (...)
Rückblenden bis in die Kindheit, mal nüchterne, mal sarkastische Beschreibungen der Zeit als Musikdirektor in Düsseldorf, sowie immer wieder aus anderer Perspektive der Weg zur Rheinbrücke - und natürlich Musik:
aus diesen Elementen setzt sich die Erzählung von Vera Forester zusammen. Wahrscheinlich schon als Text fesselnd und spannend – als Hörbuch, als Hörspiel faszinierend vom ersten bis zum letzten Wort. Dass das so ist, das verdankt die Produktion natürlich auch den Mitwirkenden, dem Pianisten Thomas Günther und den beiden Sprechern Lutz Lansemann und Michael Rotschopf. Beide, vom Sprachduktus, vom Timbre her einander sehr ähnlich – manchmal finden die Übergänge geradezu unmerklich statt – beide finden sich kongenial hinein in das Genie Robert Schumann, in die Psyche des Getriebenen. Ohne je pathetisch zu sein. Sie lassen immer dem Text den Vortritt. Hier eine der Rückblenden, die so oft anrührend sind in ihrer Zartheit.
Ausgezeichnet sind die beiden Sprecher der CD, die wir Ihnen heute vorstellen: Lutz Lansemann und Michael Rotschopf. Historisch überzeugend klingt dazu der Flügel, auf dem Thomas Günther Miniaturen von Robert Schumann spielt, ein historischer Streicher-Flügel aus dem Jahr 1848. Überzeugend aber auch, wie die Musik als dramaturgisches Element eingebaut ist in die Erzählung von Vera Forester: mal als retardierendes Element, mal aber auch als emotionale Grundierung oder eben als Element, das die Handlung, das die Geschichte nach vorne bringt.
Geht es um Robert Schumann, geht es um seinen „letzen Weg“, dann geht es natürlich auch um Clara und es geht um Johannes Brahms. Atemlos hört man der Episode zu, die das Dreiecksverhältnis zwischen den Künstlern, zwischen den Menschen schildert. Eine Szene, die (...) eigentlich jeder gehört haben sollte, der sich für die drei Musiker interessiert. Anrührend ist aber auch auf Roberts „letztem Weg“ seine Rückbesinnung auf Clara. Clara, die er braucht, die in seinem Leben die Zentralfigur gewesen ist.
Natürlich muss sich eine Erzählung über die letzten Jahre des Lebens von Robert Schumann ausführlich auch mit dem Musikdirektor, mit seinem Scheitern bei der Düsseldorfer Musikakademie beschäftigen. Kenntnisreich schildert Vera Forester auch diese Geschichte – als Nebenstrang sozusagen, der Schumanns „letzten Gang“, den zur Rheinbrücke, mit verursacht hat. Wie das Ende des Musikdirektors und das Ende des Robert Schumann geschildert sind, wie intensiv hier gesprochen wird, das hören Sie jetzt gleich selbst (...)
„Ich möchte lachen vor Todesschmerz. Robert Schumanns letzter Weg“ – Ausschnitte aus der Erzählung von Vera Forester, die als Hörbuch, als Hörspiel jetzt bei Cybele Records erschienen ist (...). Neben den musikalischen Neuerscheinungen, die wir Ihnen in dieser Woche vorgestellt haben, ist dies sicherlich die anrührendste Schumann-Würdigung, die zum Schumannjahr jetzt auf dem CD-Markt herausgekommen ist. Als SACD übrigens, d.h. wenn Sie entsprechend gerüstet sind, können Sie diese mit viel Liebe gemachte Produktion in der Mehrkanal-Version genießen. Als „normale“ CD – so wie jetzt eben – natürlich auch."
(Adelheid Coy)
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Gerd Zacher: Organ Works
„Diapason d'Or“ Award, October 2005
Clean and precise recording of the organ.
Satisfying dynamic range.
Excellent capturing of the timbres.
Gerd Zacher is one of the composers who played the most important role in bringing a new musical language to the music for organ in the 1960s. Here, works written between 1963 (Text) and 1971 (Vocalise) are documented. It is not an exaggeration when one speaks of an event in connection with this recording, both in terms of the value of making this music available and because of the perspective that this recording affords listeners upon the decade in which the music was created, a decade which in retrospect seems as a "pedegogy of freedom", as Xavier Derasse expressed himself with reference to Luis de Pablo.
The first piece composed on the program is the only one which is based upon literary logic: seven stations based upon a text after Jeremiah XXXVI (36), and presents itself as overtly scholastic. Additionally, Zacher's music, even if it is meticulously worked out, avoids all forms of systematisation of language. The technique of employing tone-rows is adopted (Szmaty), Messiaen's discoveries are extended by employing intervallic durations, the relationship between music and language is probed, numerical structures or models for the organisation of tonal space are playfully used, and ultimately, like Ligeti or Darasse the possibilities which the organ offers not in its electronic quirks but in its mechanical characteristics are probed, for example through the use of half-pulled registers, variations in attacks, the amount of wind employed through the opening of pipes. In "Ré", an assistant changes the sound production of a labial pipe by using materials which hinder this enterprise, much in the manner of prepared piano.
Incontrovertibly intellectual is how this approach would need to be described, that is, so far as humanly possible from Cage, even in the complex suggestions for the realisation of his Variations I, were it not for the instrumental element on the other hand which is so heavily laden with chance. Thus the very instrument itself finds itself in the position of a creative interpreter, not only for the written text of the music but also for phonemes and vocal effects, transformed as if the organ were trying to take over the role of Cathy Berberian. The choice of the Schuke organ, built in 1968, thus a contemporary of the composition itself, reinforces the impression of the currency of this difficult music, which upon reflection and understanding grows in fascination.
(English by Sidney Corbett)
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